La Causa Maldita es un proyecto musical nacido en Querétaro en 2018 que comenzó como un ejercicio de experimentación y terminó consolidándose como una propuesta sonora con identidad propia. Su música mezcla electrónica con instrumentos convencionales como guitarra, bajo y voces femeninas, y se expande hacia otras disciplinas artísticas. “Empezó como hobby, pero conforme me fui juntando con músicos se volvió una pasión”, explicó Arturo, fundador y compositor del proyecto.

La identidad sonora de la banda se construye desde la mezcla y la curiosidad. Arturo contó que escucha géneros muy distintos entre sí y que esa diversidad se refleja en su música. “Me gusta desde el pop hasta el metal más pesado, pasando por el techno y otros sonidos electrónicos. De ahí nace la idea de mezclar todo, pero dándole forma, que sea coherente”, señaló en ‘Amantes del Círculo Polar’.

El nuevo lanzamiento de La Causa Maldita llega en formato lado A / lado B, con dos canciones que dialogan entre sí. `Bruscos Modales’ aborda el caos, la tensión y la relación que muchas personas mantienen con el sistema y las redes. “Más que criticar, lo que busco es que la gente se haga preguntas: cuestionar dónde estamos parados y hacia dónde vamos”, explicó Arturo sobre su proceso de escritura.

La otra cara del lanzamiento es ‘Curación de las Creencias’, una canción que propone una lectura distinta del mismo contexto. Para el compositor, ambas piezas funcionan como una dualidad. “Puede haber momentos caóticos, pero también hay que recordar que vivir es algo único”, afirmó. En ese sentido, el tema apunta a la decisión personal de mantenerse en equilibrio incluso en escenarios difíciles.

El nombre del proyecto también responde a esa lógica de contraste. Arturo relató que La Causa Maldita surgió después de varios tropiezos al inicio del camino. “Arrancar no fue nada fácil, hubo momentos desagradables y de ahí salió la idea: esta causa está maldita”, contó. Con el tiempo, el nombre se convirtió en una forma de asumir el caos como parte del proceso creativo.

De cara al futuro, La Causa Maldita continúa explorando nuevas formas de creación. Aunque las giras y los recursos siguen siendo un reto para la música independiente, Arturo tiene claro el rumbo. “Quiero sacar un disco largo, unas ocho canciones, incluso retar un poco al sistema actual, donde todo es sencillo”, señaló. Por ahora, el proyecto sigue avanzando canción por canción, manteniendo la experimentación y el cuestionamiento como ejes centrales.

‘Villa de Leyva’ nace de una experiencia intensa y concreta. SANIA contó que la historia comenzó durante un viaje al reconocido municipio boyacense, en medio de una situación que la llevó a replantear la confianza depositada en alguien cercano. “Sentí que conocía a una persona y de un instante a otro era otra completamente distinta”, explicó en ‘Amantes del Círculo Polar’, al recordar el momento que detonó la composición.

Lejos de quedarse en la tristeza, la artista decidió canalizar esa vivencia a través de la música. Inicialmente pensó escribir una balada, pero con el paso del tiempo la emoción cambió. “Ya no sentía la historia como algo solo triste, sino que necesitaba otra narrativa”, señaló. Ese giro la llevó a rescatar un antiguo bolero que había escrito años atrás y a resignificarlo desde una mirada más reflexiva.

La canción terminó construyéndose a partir de una mezcla poco común: milonga, bolero, flamenco y matices de música indie, con una base rítmica contemporánea. SANIA dijo que este cruce de sonidos responde a su historia musical: “Crecí escuchando música latinoamericana todo el tiempo en la radio, pero también me escapaba a descubrir música anglo. Esa mezcla soy yo”. El resultado es una sonoridad que dialoga entre lo tradicional y lo actual.

Uno de los elementos más llamativos de ‘Villa de Leyva’ es la inclusión de fragmentos en francés. SANIA aclaró que no fue una decisión estética gratuita, sino parte del relato. “El personaje hablaba francés, pero no francés europeo, sino quebequense”, explicó. Para lograrlo, pidió apoyo a un músico radicado en Montreal, quien la ayudó con la pronunciación y las expresiones propias de ese dialecto.

El nombre de la canción no es casual. SANIA relató que la experiencia ocurrió la noche de un festival en Villa de Leyva, cuando decidió quedarse en el pueblo tras una presentación. “Esa noche me sentí completamente traicionada, fue muy fuerte”, recordó. A la mañana siguiente, acompañada por otras cantautoras, tomó una decisión clara: “Esto no se va a quedar así, voy a escribir sobre esto, y se va a llamar ‘Villa de Leyva’”.

Más allá del desamor, la canción propone una lectura sobre la resiliencia y la transformación personal. Para SANIA, escribir fue una forma de cerrar un ciclo. “Volví a Villa de Leyva después para resignificarlo y fue muy bonito”, contó. Así, la canción se convierte en un espacio de reflexión donde la experiencia personal se transforma en un relato musical que conecta desde la honestidad y la exploración sonora.

LE MAT es el proyecto musical de Alejandra del Valle y Michael Martínez, dos artistas que decidieron transformar años de trabajo compartido en una propuesta íntima, grabada desde casa y construida con recursos sencillos. El resultado es ‘Los Cuatro Pasos del Loco’, un EP compuesto por cuatro canciones donde la guitarra acústica, las percusiones orgánicas y las voces son protagonistas, sin artificios ni producciones excesivas.

El nombre del proyecto surge de una referencia simbólica: Le Mat, la carta del Loco en el tarot de Marsella. Alejandra explicó en ‘Amantes del Círculo Polar’ que esta figura representa “el primer salto, el número abierto, las posibilidades”. Para ella, no se trata de una idea esotérica, sino de un lenguaje simbólico: “Cada carta invita a moverse, a mirar algo, a parar o a actuar. Esta es el primer movimiento”.

El EP fue grabado de manera independiente y responde a una decisión práctica y creativa. Michael contó que, tras años de trabajar en una banda más grande, el proyecto empezó a estancarse. “Dependíamos de muchas personas y se caían los ensayos, los toques. Llegó un punto en el que dijimos: hagámoslo solo nosotros dos con lo que tenemos”, señaló. Así nació un formato reducido, pero coherente con su forma de crear.

Una de las canciones centrales del EP es ‘Giro’, que habla de la tensión diaria y de la necesidad de encontrar pausas en medio del afán. Alejandra dijo que la letra nació de una sensación muy concreta: “Ese momento en el que todo va tarde, el cuerpo se aprieta, la mente se acelera, hasta que aparece un respiro”. La canción plantea que esos segundos de conciencia pueden ampliarse con el tiempo.

Otra pieza del EP es ‘Plantita’, una metáfora sobre los procesos de cambio. Michael contó que la canción se inspira en sonidos más cercanos a la tierra y la montaña, mientras que Alejandra desarrolló la letra desde la imagen de una semilla que duda antes de salir. “Es una semilla que no cree posible nacer, pero descubre la emoción de brotar”, aseguró durante la entrevista.

El EP se completa con ‘Bendito Momento’, que plantea una reflexión sobre tomar decisiones en el presente, y ‘Mico Maero’, un tema que utiliza la figura de una mascota adoptada para hablar de cuidado y refugio. Para LE MAT, cada creación no busca respuestas cerradas. Como dijo Alejandra, la música es “un llamado a la escucha profunda”, una invitación a detenerse y observar lo que ocurre mientras todo sigue avanzando.

50 años después de convertirse en un clásico, La Sinfonía Inconclusa en La Mar regresa en una versión navideña que transforma el Teatro Astor Plaza en un escenario submarino. El público se encontrará con un concierto que revive personajes, sonidos y gestos que han acompañado a varias generaciones, esta vez desde una puesta en escena más inmersiva. Como lo explica Ingrid Lancheros directora de producción en ‘Amantes del Círculo Polar’, es “una presentación en el fondo del mar” donde cada elemento está pensado para que los espectadores se sientan dentro del relato que marcó la infancia de tantos.

La adaptación no solo recupera las canciones más recordadas del repertorio de Piero, sino que las muestra desde una perspectiva visual y escénica completamente renovada. Lancheros, señaló que el equipo buscó que “los personajes de la sinfonía cobraran vida” y que pudieran interactuar con el público como nunca antes. Esa intención llevó a la creación de 43 personajes interpretados por 25 artistas que combinan actuación, danza y manipulación de elementos plásticos.

Uno de los grandes desafíos fue traducir un álbum tan simbólico a una puesta en escena contemporánea sin perder su esencia. Lancheros contó que el montaje necesitó integrar tecnología, diseño y dramaturgia: “Las pantallas y la tecnología digital ayudan muchísimo a que la experiencia se viva más”, afirmó, y añadió que los muñecones de gran tamaño fueron esenciales para generar impacto visual y mantener la atención del público desde el primer momento.

La propuesta también utiliza la iluminación como una herramienta narrativa que guía al espectador por diferentes ambientes. Según la productora, el diseño luminotécnico permite viajar del océano al oeste, pasando por escenarios icónicos dentro de la obra. Esa construcción visual ayuda a conectar el universo musical de Piero con elementos más cercanos al lenguaje escénico actual, lo que facilita que los asistentes reconozcan las canciones a partir de estímulos sensoriales y no solo desde la nostalgia.

Uno de los elementos más llamativos del musical es la aparición de Piero en tres momentos de su vida: niño, joven y adulto. Esta estructura funciona como hilo conductor y permite comprender cómo el artista convirtió su imaginario infantil en un repertorio que trascendió décadas. Como se menciona en la entrevista, “los sueños se cumplen” y ese tránsito entre etapas muestra cómo la creatividad puede acompañar a una persona a lo largo de toda su vida artística.

Además del componente artístico, el valor del espectáculo está en su capacidad de reunir a varias generaciones en torno a una misma experiencia. Canciones como ‘La creación’, ‘La canción de la abuela’, ‘Los Indios Pirulines’ o ‘El trencito del oeste’ hacen parte de un repertorio que destaca por transmitir humor, ternura y reflexiones sencillas. La versión navideña mantiene ese espíritu y lo combina con una puesta en escena que invita al público a “volver a ser niños nuevamente” y a conectar con un legado que sigue vigente en la memoria colectiva.

La Sinfonía inconclusa en La mar tendrá funciones el 19, 20 y 21 de diciembre en el Teatro Astor Plaza en los horarios: viernes 7:00 p.m., sábado 3:00 p.m. y 7:00 p.m. y domingo 11:00 a.m. para consultar la boletería ingresa aquí.

Tribu Stars pasó por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ con una conversación que abrió una puerta inesperada: Entender que la champeta no es solo música para bailar, sino un universo cultural lleno de historias, oficios, luchas y símbolos que ayudan a comprender cómo se construyen las identidades en Colombia. 

La champeta nació entre calles populares, comunidades migrantes y la influencia del Palenque de San Basilio. Ese origen diverso permite entender por qué este género, que hoy suena en tarimas y festivales, que además funciona como un archivo vivo de memoria social. Durante la charla, Moniqui recordó que sus canciones viajan entre realidades distintas: “Tenemos temas que hablan de persistencia como ‘Yo le doy’, otros más íntimos como ‘Secreto en la Boca’ y uno muy especial, ‘Polizón’, que relata la historia de los migrantes que deben buscar nuevas oportunidades”. Esa mezcla muestra que el género no se limita a entretener:  también narra procesos que atraviesan a miles de personas.

Para quienes se acercan por primera vez a la champeta, los integrantes insistieron en algo clave: Este género está hecho de experiencias cotidianas. Chaka contó que, al llegar a Bogotá, trabajó como domiciliario y cantó en buses, y agregó entre risas: “Yo hacía buen show… hacía el gallo culeco y la gente se reía, enseguida me daban monedas”. Esas anécdotas permiten ver cómo la música se nutre de oficios reales, trayectos urbanos y aprendizajes que conectan a artistas y oyentes desde la vida diaria, no desde la fama.

El lanzamiento de ‘Auxilio’ marca el regreso de Tribu Stars a la escena champetera con una propuesta que mezcla frescura, viaje musical y reafirmación de identidad. La canción llega como el punto de partida de su nuevo proyecto, en el que la agrupación recorre influencias de Jamaica, las Antillas y San Andrés, incorporando sonidos afrocaribeños que amplían el universo sonoro de la champeta.

Otro punto que llamó la atención fue la explicación sobre la cultura picotera, declarada patrimonio junto con la champeta. Chaka lo resumió así: “El picot ha sido una emisora ambulante… sin picot no hubiera champeta”. Moniqui complementó señalando el trabajo artesanal detrás de estos equipos: Pintura, carpintería, iconografía, selección de parlantes y hasta códigos visuales propios. Para el lector, esta información abre un panorama donde la estética, el sonido y la comunidad forman un mismo sistema cultural.

El grupo habló del videoclip de ‘Yo le doy’, grabado en Bogotá solo con celulares. Más que un dato curioso, esto permite entender cómo la tecnología cotidiana democratiza la creación audiovisual. Camilo, director del video, explicó el propósito: “No hay que tener los grandes equipos ni los grandes presupuestos para sacar un video decente”. La idea se refuerza cuando cuentan que cada integrante interpretó un oficio real: Vendedor de flores, trabajador del aseo, domiciliario. Chaka añadió: “Básicamente es un homenaje a la persona común y corriente, el que coge bus, el que anda en moto”.

La conversación abordó el reciente reconocimiento de la champeta como patrimonio cultural de Colombia. Chaka recordó su larga trayectoria: “Desde 1996 venimos trabajando, esto ha tomado décadas”. Y señaló que la protección del género va más allá del título: Requiere enseñar, contextualizar y crear espacios adecuados para sus prácticas. Como explicó Moniqui: “Hay que socializar y buscar espacios adecuados… no se puede prender un picot en cualquier parte”. Para el lector joven, este punto muestra cómo la cultura también implica responsabilidad y construcción colectiva.

Finalmente, Tribu Stars resaltó que su misión actual incluye llevar esta pedagogía a escenarios internacionales. “Esto que hacemos aquí lo vamos a hacer en Canadá y Estados Unidos: Explicar qué es la champeta y qué abarca la cultura champetua”, afirmó Chaka. Ese enfoque convierte su proyecto en un puente entre generaciones y territorios, mostrando que entender la champeta es entender cómo se transforma y se proyecta una identidad musical del país hacia el mundo.

Este trabajo combina música pesada con una reflexión directa sobre los dogmas que moldean decisiones, comportamientos y relaciones. Su creador, Nicolás Restrepo, plantea el disco como un ejercicio para entender de dónde vienen esas reglas no escritas que muchas veces se siguen sin pensar. Él mismo resume la idea así: “hay un orden global que rige a las personas a través de un compendio de dogmas… que nos dicen cómo vivir”. 

Lo interesante de este proyecto es que no nació con una intención clara. Nicolás contó que regresó a la música después de muchos años lejos de ella y que todo comenzó con ideas sueltas en la guitarra: “no lo planeé; lancé ideas sin un sonido específico y empezaron a tomar forma de canción”. 

Ese proceso permite ver cómo un trabajo artístico también puede ser un método para ordenar pensamientos, cuestionar experiencias y encontrar un lenguaje propio sin pretender imitar géneros o estructuras tradicionales.

El nombre THY METHOD también funciona como una puerta de entrada al concepto del álbum. Según Nicolás, thy es una forma antigua de your, usada en contextos religiosos. Con esto buscó señalar a las figuras que imponen métodos o reglas: Familia, instituciones, educación, política o autoridades simbólicas. “Cada canción se puede estar dirigiendo a una de esas figuras o a los métodos que nos imponen”, explicó en ‘Amantes del Círculo Polar’. 

Esta perspectiva convierte los temas en un mapa de cómo se forman creencias y cómo estás influyen en la autonomía.

Las siete pistas del disco abordan distintas formas de control. Por ejemplo, ‘Divinely a Machine’ examina la relación entre productividad, fe y obediencia; ‘A Love Story’ expone vínculos afectivos que se convierten en dinámicas de dominación; y ‘Megalomaniac’ analiza el poder heredado que se legitima sin cuestionamientos. En la entrevista, Nicolás mencionó que muchos de estos dogmas se aceptan “sin cuestionarlos para nada”, aunque definan decisiones fundamentales. 

El álbum usa el metal progresivo como un espacio para representar esas tensiones con cambios métricos, atmósferas densas y secciones que rompen esquemas tradicionales.

La canción que da nombre al álbum, ‘Degodify’, aborda la ruptura con los preceptos que han guiado la vida de una persona. Nicolás lo sintetiza así: “al liberarnos podemos desarrollar y evolucionar, pero sin transgredir la individualidad de los demás”. 

En esta pieza se contrasta la culpa impuesta con la reconstrucción interior, mostrando que cuestionar no implica rechazarlo todo, sino identificar qué ideas aportan y cuáles limitan.

Otro rasgo del proyecto es la decisión de trabajar solo la mayor parte del proceso. Para Nicolás, este camino también implicó romper un paradigma: “cuando uno decide alejarse de esos dogmas, el grupo te dice que estás loco, pero yo ya elegí cómo quiero vivir”. 

Esa postura revela una dimensión práctica del álbum: Más allá del metal, ‘Degodify’ plantea la importancia de reconocer por cuenta propia qué normas se aceptan, cuáles se transforman y cuáles se dejan atrás para construir un criterio propio.

El show Lado A – Lado B de la banda Nadie llega a Bogotá como una oportunidad para observar el cambio sonoro y la transformación del punk colombiano en los últimos 30 años. Además, de mostrar la evolución de su música, su forma de trabajar y su relación con el público. 

En ‘Amantes del Círculo Polar’ en conversación con el vocalista Julián Velásquez recordó que la historia de la banda empezó en el colegio, en 1994, cuando ensayaban “en el departamento de alguno, molestando a los vecinos”, porque casi no existían salas de ensayo en Bogotá. Esa anécdota evidencia cómo funcionaban antes las bandas emergentes y cómo la escena ha cambiado: hoy existen más espacios, más rutas técnicas y una forma distinta de producir música. “Antes pegábamos unos afiches y ya… ahora hay que invertir y hacer marketing”, explicó, resaltando que comprender estos procesos también hace parte de crecer como músicos. 

Igualmente, el sonido del punk local ha tenido un cambio profundo. Julián lo resumió así: “El punk medallo era mucho más de garage, guitarras desafinadas y mucho alcohol en el escenario”. Con la llegada de nuevas generaciones, incluyendo Nadie, ese estilo se transformó hacia una propuesta más técnica y organizada, influenciada por el hardcore californiano y el ska. Para quienes siguen la escena rockera, este recorrido permite entender por qué el género ya no se define solo por la rebeldía, sino también por el trabajo musical detrás. 

Asimismo, la banda ha vivido pausas y reorganizaciones, algo común en proyectos de larga trayectoria. Después del 2017, la salida de integrantes, los cambios de país y la necesidad de sostener la vida laboral llevaron a Julián a replantear su ritmo de trabajo. Él mismo lo contó sin rodeos: “yo necesitaba tener un espacio para instalar mis negocios, porque no podía estar en todo al tiempo”. Este tipo de ajustes revela la realidad detrás de las bandas independientes, donde sostener el proyecto implica equilibrar creación, economía y vida personal. 

La gira actual ha sido un punto clave para medir cómo se conectan hoy las audiencias con esos sonidos que nacieron hace tres décadas. Según la banda, los asistentes “han recibido el nuevo sonido con oídos abiertos”, destacando la energía de una formación renovada y el impacto de comenzar los conciertos con “10 temas seguidos sin parar”. Esta respuesta del público demuestra que, incluso dentro de géneros intensos como el punk, la puesta en escena y la claridad técnica influyen en la experiencia del oyente. 

Finalmente, esta presentación en Bogotá se vuelve un punto de encuentro entre distintas generaciones del punk colombiano. La banda recuerda con fuerza la época de la Avenida 19 llena de tiendas de discos, los videoclips que marcaron ruta cuando el género casi no producía audiovisuales, y las giras que los llevaron a compartir escenario con Misfits y Ataque 77. Recuperar ese pasado en un formato actual permite conectar a oyentes jóvenes con la historia del punk local y, al mismo tiempo, entender por qué este género sigue renovándose sin perder su carácter crítico.

Nadie iniciará la preproducción de su nuevo disco 'Veneno' y lanzará una serie de sencillos durante el segundo semestre del año.

El álbum ‘Vestido de movimiento’, del cantautor bogotano Sebastián Castaño, reúne nueve canciones que exploran emociones cotidianas como la culpa, el miedo, la paciencia y la imaginación. El artista utiliza influencias familiares, experiencias personales y un enfoque reflexivo para crear un recorrido sonoro que invita a pensar y a observar el presente con más atención. Según él, cada tema nace de una pregunta concreta sobre la vida y de un interés por construir música que realmente aporte algo al oyente.

Una de las primeras claves para comprender este trabajo está en el origen musical del artista. Durante la entrevista en ‘Amantes del Círculo Polar’, Sebastián recordó que creció rodeado de guitarras y serenatas: “En mi casa siempre se escuchó música por todo lado”, contó, explicando que ese ambiente lo llevó a reconectarse con el arte en la adolescencia y a estudiar formalmente canto y guitarra. Este punto resulta útil para cualquier persona interesada en la creación: La influencia inicial no siempre marca un camino fijo, pero sí abre puertas a una sensibilidad que después se transforma en propuestas más complejas.

El trabajo también aporta una mirada interesante sobre cómo la música puede relacionarse con el bienestar emocional. Sebastián lo explicó así: “la gente que escucha la música se merece todo el respeto del mundo, por eso cada mensaje debía tener una palabra y una filosofía detrás”. Esta visión permite entender por qué sus letras no buscan únicamente dar una explicación, sino plantear ideas que ayuden a detener la mente y a reconocer emociones difíciles de procesar en la vida diaria. La música aparece entonces como un espacio para organizar pensamientos, más que como un refugio pasajero. 

En varias canciones, el artista transforma vivencias personales en reflexiones que pueden conectar con cualquier oyente. ‘Caminar sobre el mar’, por ejemplo, nace de una experiencia relacionada con el miedo y la vulnerabilidad. Sebastián aseguró que la frase central surgió al preguntarse si era posible “perder esos temores y caminar sobre el mar”, una metáfora que le permitió convertir una situación traumática en una composición que analiza la reacción humana ante el temor. Este tipo de procesos ilustra cómo la creación artística puede convertirse en una herramienta para resignificar emociones y darles un lugar más consciente. 

Otra pieza que aporta una perspectiva valiosa es ‘Pensamiento Fugaz’, inspirada en una frase del escritor Kurt Vonnegut sobre la importancia de notar esos momentos simples que confirman que seguimos vivos. Sebastián dijo que buscó crear “una canción que le diera un tiempo al oyente”, una pausa que permitiera respirar y reconocer lo que está pasando ahora. Este enfoque resulta especialmente útil en un entorno donde la atención se fragmenta con facilidad; la música se presenta aquí como un recordatorio para ralentizar y observar. 

En cuanto a la estructura de ‘Vestido de movimiento’ no sigue las duraciones comunes de la industria actual. Algunas canciones superan los siete minutos porque, según el artista, “la historia necesitaba ese tiempo y más corto no funcionaba”. Estas decisiones muestran un interés por priorizar el contenido sobre las fórmulas, algo que resulta atractivo para quienes buscan experiencias sonoras que salgan de lo habitual y permitan una inmersión más profunda. Además, los instrumentos acústicos y la presencia de madera en la producción fortalecen el carácter naturalista del proyecto. 

Finalmente, el viaje del disco culmina con una reflexión sobre la imaginación como herramienta para proyectar una vida posible. Sebastián lo expresó así: “si no puedo ver el sol, lo quiero imaginar”, una frase que sintetiza su intención de motivar al oyente a construir sus propias imágenes internas, incluso en momentos de incertidumbre. Esta perspectiva convierte el proyecto en un acompañamiento más que en un simple repertorio musical: un espacio para pensar, sentir y reconstruir la relación con uno mismo desde la curiosidad.

MCC 440 abre la puerta a un tema que muchos desconocen: cómo la música, sus frecuencias y sus letras pueden ayudar a regular emociones y fortalecer vínculos. El artista colombiano Samu Páramo lo explica desde su experiencia como musicoterapeuta y psicólogo en formación.

La llegada de MCC 440 no solo marca un lanzamiento musical, sino una invitación para entender de manera sencilla por qué ciertas canciones generan calma, energía o claridad mental. Durante la entrevista en ‘Amantes del Círculo Polar’, Samu Páramo habló de la frecuencia 440 Hz como un punto de encuentro universal en la música y explicó que este EP se construye desde la idea de “Mente, Corazón y Cuerpo a la misma sintonía”. Para los que nunca han explorado estos conceptos, abre una puerta clara a cómo vibra la música y por qué esa vibración puede transformar estados emocionales cotidianos.

Un aspecto que sorprende a quienes escuchan por primera vez su propuesta es que Samu no parte de un género específico, sino de la mezcla consciente. Él lo resume así: “la música siempre ha estado presente en la humanidad desde que tenemos historia” y cada instrumento nace de la naturaleza. Esta idea permite comprender por qué su proyecto combina vallenato, cumbia, rock, elementos acústicos y sonidos ambientales: no como una moda, sino como una forma de representar cómo la emoción humana se construye desde múltiples influencias.

La entrevista también dejó ver un detalle clave para el público joven: la relación entre música y salud mental. Samu lo explica sin misterio: “cuando yo tuve una excusa para estar solo durante la pandemia, descubrí mi propósito de vida… es salvar vidas con arte”. Desde esa experiencia personal comenzó a estudiar musicoterapia y hoy cursa psicología, integrando herramientas científicas a su forma de componer. Esto ofrece un ángulo distinto: entender que las canciones no únicamente entretienen, sino que pueden ayudar a identificar emociones, procesarlas y crear diálogos más honestos con quienes nos rodean.

Uno de los momentos más ilustrativos de la conversación fue cuando Samu describió cómo compuso ‘Chocolate Caliente’. No lo hizo desde la inspiración romántica, sino desde una pregunta concreta: ¿qué necesita una persona cuando emocionalmente no está bien? Por eso incluyó pasos propios de primeros auxilios psicológicos. “Quiero conocerte desde lo más pequeño hasta lo más profundo… aunque no te entienda, te voy a apoyar”, dijo. Para los que buscan herramientas prácticas, esta explicación muestra cómo un tema puede transformarse en guía emocional cotidiana, más cercana a una conversación segura que a un discurso motivacional.

El EP también plantea una reflexión cultural relevante: el valor de las raíces colombianas. Al hablar de su versión de ‘Vivo en el Limbo’, Samu sostuvo que el reto no era copiar un clásico, sino preguntarse “cómo podemos seguir modernizando esto y hablar del vallenato”, desde una identidad más amplia. Esta perspectiva invita al lector a revisar su propia relación con la cultura local y a preguntarse cómo la música que consume moldea su sentido de pertenencia y su lenguaje emocional.

Finalmente, el concepto que atraviesa todo MCC 440 se resume en el carro imaginario con el que Samu recorre el país, un elemento simbólico que aparece en los videos y representa el viaje emocional de cada persona. “Estamos creando un parche de gente muy bacana que está llevando sus pasiones al servicio de la sociedad”, afirmó. Esto convierte al EP no solo en una propuesta sonora, sino en una experiencia educativa acerca de cómo la música puede acompañar procesos personales, fortalecer redes afectivas y abrir discusiones necesarias sobre bienestar.

Un espectáculo que une la fuerza de la salsa con el sonido de una orquesta completa llegará a Bogotá el próximo 11 de diciembre de 2025, mostrando cómo la música de Willie Colón, Héctor Lavoe y Rubén Blades puede escucharse desde una mirada diferente.

La propuesta llamada Los Malos del Bronx reúne a dos protagonistas: la Filarmónica Metropolitana – Distrito Capital, bajo la dirección del maestro Alejandro Vásquez Mejía, y la agrupación Clan del Solar, reconocida por su trabajo con las raíces del género. 

Ellos serán los encargados de reinterpretar algunos de los himnos más importantes de este género. Como lo describe el comunicado oficial, la idea es combinar “el poder de la salsa con la elegancia de una orquesta filarmónica”. Una mezcla pensada para quienes quieren descubrir estos clásicos desde otra perspectiva. 

Durante la entrevista en el programa ‘Amantes del Círculo Polar’, el vocalista Julio Restrepo, de Son Havana, explicó por qué esta fusión tiene sentido musical y emocional. “Es darle otro nivel a esa salsa de barrio… ver estas canciones en otra dimensión, ya con una banda de casi 60 músicos en tarima”, afirmó al hablar del sonido que se escuchará en el escenario. También insistió en que la esencia del género no se perderá: “Si no se cuida esa parte salsera, esa parte de barrio, se mata la canción”, razón por la que la presencia del Clan del Solar es fundamental para mantener el carácter original. 

El evento se realizará en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, un escenario que ha acogido otros tributos filarmónicos y que ahora suma un montaje dedicado a tres figuras que definieron la identidad de la salsa en Latinoamérica. Restrepo dijo que el repertorio incluirá canciones tan reconocidas como ‘Idilio’, ‘El Cantante’, ‘Plástico’, ‘Periódico de Ayer’ y otras que el público ha bailado durante décadas. Para él, este concierto implica asumir una gran responsabilidad: “Son historias que la gente tiene muy interiorizadas y hay que interpretarlas con muchísimo respeto”. 

La fecha elegida, 11 de diciembre de 2025 a las 8:00 p.m., convierte la noche bogotana en un punto de encuentro entre generaciones. Quienes crecieron con estos artistas podrán escucharlos desde una nueva sonoridad, mientras que los más jóvenes podrán acercarse por primera vez a la historia de un género que nació como un fenómeno social en el Bronx de Nueva York. Como afirmó Restrepo, “la salsa fue más que un fenómeno musical, fue un fenómeno sociocultural”, una mezcla de migraciones, calle, memoria y comunidad. 

La razón detrás de este tributo es sencilla: mostrar que la música puede evolucionar sin perder su identidad y que los clásicos siguen teniendo algo que decir. La Filarmónica y Clan del Solar apuestan por un formato que no pretende reemplazar lo original, sino ampliar la forma de escucharlo. Para los asistentes, esto significa vivir una presentación donde la tradición y lo sinfónico se encuentran para contar una historia compartida entre ritmos de barrio y arreglos de gran formato.

Una cita ideal para quienes quieren entender por qué estas canciones siguen vivas y cómo pueden sonar distintas sin dejar de ser las mismas.